Plus de 400 personnes ont répondu à l'invitation de la MAC'A ! Les artistes étaient présents pour échanger avec le public sur leur Jardin Intime.

Picasso-Méditerranée : une initiative du Musée national Picasso-Paris

« Picasso-Méditerranée » est une manifestation culturelle internationale qui se tient de 2017 à 2019. Plus de soixante-dix institutions ont imaginé ensemble une programmation autour de l’œuvre « obstinément méditerranéenne » de Pablo Picasso.

Pour l’exposition à Carré d’Art, le Musée Picasso a consenti un prêt exceptionnel de 37 œuvres. Le choix pour Carré d’Art s’est porté sur les créations de Picasso dans les temps de troubles politiques de la seconde guerre mondiale jusqu’au remarquable tableau Massacre en Corée de 1951.

Dès 1937, avec Guernica,se dessine pour Picasso une période d’engagement politique où est perdu tout espoir de retrouver une Espagne libre. Les temps troublés se retrouvent dans la plupart des sujets – portraits, natures mortes, paysages – qu’il aborde au cours de ces années. La violence s’impose de façon magistrale dans La Suppliante de 1937 et de nombreux portraits de Dora Maar mais aussi dans la série de femmes qui pleurent ou le Chat saisissant un oiseau.

L’exposition propose également d’instaurer un dialogue entre les œuvres de Picasso et des artistes contemporains. Il y a, d’une part, au cœur même de l’espace consacré à Picasso la présence d’artistes qui portent ou ont porté un regard sur son œuvre. D’autre part, en miroir, l’exposition Lignes de fuite présente des artistes de différents horizons qui sont directement concernés par des conflits au Moyen Orient et en Europe de l’Est.

Les adhérents de la MAC’A sont allés à la rencontre de deux grands artistes contemporains samedi 6 octobre 2018 à Marseille.

Tout d’abord, nous avons pu bénéficier d’une très intéressante visite guidée de Fan Tan, 1^ère exposition rétrospective en France consacrée à l’artiste Chinois AI WEIWEI, des années 80, influencées par Marcel Duchamp à nos jours.

Le travail d’Ai Weiwei interroge sans cesse son histoire familiale (son père, grand poète, a été déporté politique) et plus généralement l’histoire politique, sociale, culturelle de la Chine ; persécuté par le régime, il habite en Allemagne depuis 2015.

Ensuite, nous avons vu 3 installations de Claude LEVEQUE :

.Life on the line dans la chapelle de la Vieille-Charité : une immense silhouette en forme de sapin en inox, suspendue sous le dôme, pivote et nous renvoie les détails de l’architecture du bâtiment et les rayons du soleil, brouillant ainsi nos sens ; cette œuvre, accompagnée d’un fonds sonore infrabasse, a suscité des réactions contrastées : sensation de menace, de violence ou, au contraire, élan spirituel et apaisant…

.Back to nature au FRAC PACA : dans une semi-pénombre, les propositions nous renvoient vers le monde de l’enfance, tout en laissant notre imagination libre d’interpréter les deux installations.

Nous avons terminé la journée sur une note joyeuse et sensuelle avec le Cabinet érotique d’Alex CECCHETTI : 69 ( !) dessins, aquarelles, gouaches que l’on découvre progressivement en ouvrant les différents panneaux, tel un polyptique géant…

Né en 1954, Vit et travaille à Lille

Mathématicien, photographe, artiste bien sûr mais pour ses amis, qui lui ont donné le nom de Perlinpinpin, Perlin est un magicien.

Le travail de Perlinpinpin est ancré dans une perception, une représentation du temps qui est avant tout le temps d’une vie, une vie faite de souvenirs, de moments uniques, d’oublis. Dans ce travail de mémoire, acte de résistance face au passage irréversible des jours, Perlin tente d’enrayer le temps en recréant sa longueur, son rythme. Si les jours sont profondément inégaux, certains marquant à jamais une vie, la plupart sont négligeables dans leur répétition. C’est à cette multitude de jours qu’il redonne vie en les transformant en œuvres d’une beauté captivante ou en les transposant minutieusement dans des carnets où tout est noté. Travail rigoureux et lyrique, calculé avec la précision d’un mathématicien et l’intranquillité d’un poète.

Dans l’œuvre « Le temps n°2 » sur la lecture d’un passage du roman de Proust, l’artiste représente l’acte de lire comme une trame qui se tisse peu à peu et sur laquelle vient se greffer un acte de mémoire où reviennent les moments marquants de sa propre vie. Ce travail hautement conceptuel qui fige le passé dans le présent, réussit à mettre en image cette faculté de conscience qui nous permet d’arrêter le temps. En immobilisant le temps Perlinpinpin crée une trace d’éternité que notre contemplation de l’œuvre, continuera à maintenir en vie, à l’infini.

Perlin dit que les collectionneurs de son travail sont les gardiens de sa vie. Au cœur de cette phrase se trouve une explication possible du pouvoir de fascination qui émane du travail de Perlinpinpin. Cet envoûtement, ce sentiment de nostalgie mêlée de joie que l’on ressent, vient d’une compréhension intuitive de sa recherche artistique. En immobilisant le fil de sa vie il nous permet de nous imaginer enfilant le manteau de magicien et devenant les gardiens de nos propres vies car ce même travail de mémoire, cette trame et ce tissage des jours nous fait comprendre que toutes nos vies trouvent un écho dans le passage d’une seule vie.

J L-W 2017

Vit et travaille à Martigues

On peut considérer Georges Stolf comme un sculpteur du temps.

Non pour faire des sculptures d’un héroïsme grandiose à la gloire d’un souverain omnipotent mais bien au contraire en allant chercher dans les placards inexplorés du temps passé des matériaux abandonnés, des restes négligés, des laissés pour compte voués à l’invisibilité. Bouteilles en plastique, barquettes en aluminium, sachets en plastique, fourchettes brisées deviennent les héros de ce travail inattendu où fragilité devient force poétique. Un travail qui nous emmène dans les vagabondages aussi bien pensés que marchés d’un artiste qui joue avec l’oubli et le transforme en temps « retrouvé ». En donnant une seconde vie à ces matériaux destinés à l’abandon, Georges Stolf modifie notre regard, déjoue le cours du temps et compose un travail qui surprend et séduit.

Si notre conscience du temps est individuelle, nous la partageons collectivement. Nous parlons de mémoire collective et pourtant nous ne parlons jamais d’oubli collectif. Ces personnages sans visage, ces oiseaux, bouteilles tailladées, qui existent dans la transparence ou dans les ombres projetées, deviennent les sentinelles de notre mémoire et de notre oubli. Georges Stolf ne crée pas des personnages uniques, il décline des variations sur un thème où multitude parle de solitude, d’anonymat mais aussi de force et de joie. Ses fourchettes cassées, si symboliques de notre humanité, marchent en avant, vers un futur inconnu, ses oiseaux jouent dans la lumière, et un sourire éclaire nos visages.

J L-W 2017