Après deux mois de vacances, voici venu le moment de notre rendez-vous mensuel avec trois chroniques.

- Dans le rétroviseur  C'est un regard sur les expositions réalisées par la MAC'A à partir de 1995 jusqu'à nos jours.

- Le livre du mois  La MAC'A vous propose, chaque mois, de découvrir un livre sur l'art contemporain : un documentaire pour en apprendre plus ou un roman pour vivre plus fort... !

- La vidéo il  vous suffit de cliquer sur le lien proposé pour découvrir une visite virtuelle d'art contemporain. 

DANS LE RETROVISEUR

2008

Pourquoi « QUOI DE NEUF ?

Parce qu’en 2008, la MAC’A, en tant que découvreur de talents, a fait le choix d’exposer la jeune création s’exprimant par divers mediums.

Ils ont entre 25 et 33 ans. Ils sont onze. Ils nous proposent un univers perturbant et autodestructeur, éclaté et tordu, délires incertains à travers des frivolités sans complexe, humour corrosif, ridicule et magnificence, pour basculer dans un monde autre…

Abdelkader Benchamma - dessin

Certains se souviennent peut-être de son « dessin pensé comme une écriture ». Depuis, il a parcouru bien du chemin et mène aujourd’hui une carrière internationale. On a pu apprécier son évolution et la qualité de son travail lors de l’exposition à la Collection Lambert à l’automne/hiver dernier.

Rémi Bragard - installations
« ...interrogeant ses critères de définition, ainsi que les postulats devenus classiques du ready-made, ses constructions éphémères modélisent le réel à la façon d’un jeu meccano ».

Armelle Caron - dessin
« Le geste, direct incarné dans le motif, graphique, décoratif, littéraire. Ces signes offrent une première lecture que l’artiste s'empresse alors de contredire, d'enrichir.
Tout se joue dans l'écart créé entre ce que le "lecteur" croit voir et ce que l'artiste compose ».
 

Camille Cloutier – peinture, dessin
« De l’humour noir-pingouin, de l’énergie rose-salami, de la frivolité sans complexe : une
insouciance vert-martien, Camille fait le plein de couleurs. (...) Libérer des correspondances insolites entre des choses, des formes, des couleurs, des mots et des délires à l’issue incertaine ».
 

Pablo Garcia - dessin
« Mon travail part d’un questionnement sur la mémoire collective. Mes créations ont jusqu’à maintenant traité du comment traduire la présence de l’absence dans les lieux d’Histoire, produire une image de mémoire, d’un passé qui se dissipe peu à peu ».

Suzy Lelièvre – sculpture
« Je poursuis ma thématique du renversement en envisageant des sculptures d'objets détournés dépourvus de fonctionnalité et de finalité, en leur conférant un pouvoir d'annihilation ».
 

Eirini Linardaki/Vincent Parisot - vidéo
« Historiquement, le discours de l'absence est tenu par la Femme : la Femme est sédentaire, l'Homme est chasseur, voyageur ; la Femme est fidèle (elle attend), l'Homme est coureur (il navigue, il drague) ». Roland Barthes

Minori Matsuoka - vidéo
« Je fabrique des récits avec des sculptures hétéroclites qui traitent du désir et de la peur...Du réel nous basculons dans un monde autre... J’interroge les relations entre les humains et les objets. Attirance, repoussement, attachement et appréhension ».
 

Mathilde Rousseau - vidéo

« Je travaille sur la mise en scène d’images épurées qui rendent un univers tendu, angoissant ou, au contraire, burlesque. Mes personnages sont toujours seuls, repliés dans une intériorité impénétrable ».

Charlotte Wallet - vidéo performance
« Mon travail s’est toujours initié dans une recherche performative, il s’articule en deux temps, le réel et le différé, la performance et la vidéo. Je considère le corps comme une matière première ».

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LE LIVRE DU MOIS

Le Miracle du dessin selon Ernest Pignon-Ernest / Gérard Mordillat.- HD ateliers Henry Dougier, 2022.-115 p.- (Le Roman d’un chef d’œuvre).-12,90 €

Ce livre, petit par son format et son prix, est une étude très riche et sensible du travail d’Ernest Pignon-Ernest. A partir du « Portrait de Pasolini portant son cadavre », mais aussi d’autres œuvres, il explore l’univers de l’artiste : sa technique si particulière, mais surtout ses convictions et le sens donné à son travail qui n’est pas qu’esthétique. L’œuvre est au final l’interaction entre l’image et le lieu où elle est placée ; ainsi que l’écrit Gérard Mordillat, « Ernest Pignon-Ernest dessine politiquement le monde ».

Ce livre aurait été une introduction parfaite à la grande rétrospective proposée au Palais des Papes en 2019…

Dans la même collection, on peut retrouver des ouvrages consacrés à Edward Hopper, Georgia O’Keefe, Gérard Garouste ou Niki de Saint-Phalle.

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LES  VIDEOS

Manifesto of fragility

C'est le thème de la biennale d'Art Contemporain de Lyon qui a débuté ce 15 septembre.

A ce sujet, en octobre 2021, nous vous présentions en avant première l'interview des deux commissaires d'exposition.

Aujourd'hui, en préambule de notre sortie de novembre, voici celle de Nadia Kaabi-Linke, artiste présente à l'usine Fagor. 

A bientôt !

Voici venu le moment de notre rendez-vous mensuel avec trois chroniques.

- Dans le rétroviseur  C'est un regard sur les expositions réalisées par la MAC'A à partir de 1995 jusqu'à nos jours.

- Le livre du mois  La MAC'A vous propose, chaque mois, de découvrir un livre sur l'art contemporain : un documentaire pour en apprendre plus ou un roman pour vivre plus fort... !

- La vidéo il  vous suffit de cliquer sur le lien proposé pour découvrir une visite virtuelle d'art contemporain. et en BONUS nous vous proposons la vidéo d'un artiste que nous aimons beaucoup et que la MAC'A a exposé en 2018.

DANS LE RETROVISEUR

2007

Que voir ? Que penser face aux peintures de Jan ARONS ?

S'agit-il de peintures ? Est-ce un peintre qui déborde son art, sa discipline, est-ce un sculpteur ou est-il encore autre chose ?

Jan ARONS est présenté par la critique officielle comme l'un des jeunes pionniers de la peinture hollandaise.

C'est d'abord une rétrospective de 40 années de création tout en puissance sur les 3 niveaux du Cloître Saint Louis d’Avignon.

Dans une première période, Il accumule sur ses toiles des reliefs impressionnants de  matière qui vont créer une nouvelle dimension, un nouvel espace imaginaire et pictural. Le désir de montrer la complexité du monde est à l'origine de cette recherche.

Une autre période dans laquelle une fracture apparaît où l’empâtement, les volumes, coexistent avec de grands aplats introduisant un nouveau rapport entre couleur et lumière.

Une période de transition confirme la construction du support comme objet, partie intégrante du tableau. Des assemblages de bois remplacent peu à peu les épaisseurs de peintures.

Lorsqu'il découvre à proximité d'Avignon l'abbaye troglodyte de St Roman et ses tombes creusées en forme de corps humains ; celles-ci retiennent les eaux de pluies, leur surface liquide agit alors comme un miroir où fusionnent des espaces réfractés et multiples. Il construit alors un parallélépipède constitué de 6 miroirs reflétant tout l'environnement, réunissant des espaces fragmentés en un seul objet (héritage direct des premières années de travail).

Ensuite, de nombreuses modifications du support autorisent l'installation directe des tableaux sur le sol brouillant en ce qui les concerne toute catégorie esthétique courante.

Enfin les dernières œuvres sont plus petites, planes ou légèrement bombées, ajourées, découpées, fendues à l'image du grand thème qu'elles abordent : la perte de l'humain.

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LE LIVRE DU MOIS

Art contemporain : ce qu’il doit aux chefs-d’œuvre du passé / Elisabeth Couturier - Flammarion, 2022.- 223 p.- 24,90 €

Contrairement aux idées reçues, l’artiste contemporain s’inspire volontiers des chefs-d’œuvre du passé. Avec ce livre, Élisabeth Couturier effectue une traversée de l’histoire de l’art, repérant dans une oeuvre actuelle une reprise, un clin d’œil, une citation effectuée vis-à-vis d’un maître ancien (arts gréco-romain, byzantin, médiéval, Renaissance, baroque et rococo, néo-classicisme, réalisme, impressionnisme, etc.).

L’artiste d’aujourd’hui continue ainsi à tisser le fil rouge qui relie les créateurs d’une génération à l’autre, et cela donne lieu à des confrontations visuelles inédites et étonnantes.

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LA VIDEO

Si vous n'avez pas pu voir l'exposition "Sculpture en fête", proposée  en 2021 par la Villa Datris , voici une visite guidée qui vous ravira.

LE BONUS

A bientôt !

Deux jours en visite sur la Côte d’Azur 

1^er jour : Roquebrune Cap-Martin

Cette escapade, organisée pour les adhérents de la MAC’A, a commencé par une destination de choix : Cap Moderne à Roquebrune Cap-Martin.

Pour cette visite exceptionnelle, une médiatrice attendait le groupe à la gare du Cabbé pour rejoindre le lieu-dit « La maison en bord de mer », également nommée villa E1027.

Le site « Cap Moderne » regroupe 4 lieux indissociables : le bar/restaurant « L’Étoile de mer » ; « Le Cabanon » de Le Corbusier  ; « Les Unités de camping » ; et enfin, clou de la visite, la villa E1027(*).

1 - L’Étoile de mer

A l’origine un plombier de Nice, Thomas Rebutato, avait un modeste projet de cabane, située au-dessus de la villa, où entreposer son matériel de pêche et cuisiner ses prises de mer. Un architecte lui propose le plan d’un cabanon de 9,10 x 3,50 m, composé d’une chambre, d’un WC, d’un salon avec pergola plein sud et d’une entrée au nord. C’est cette cabane qu’il construira en 1949, en y ajoutant une cuisine en plein air au nord. Il veut crée un lieu « casse-croûte » pour attirer les touristes et les campeurs.

Lors d’un de ses séjours à la villa E1027, Le Corbusier sera un de ses premiers clients. Il  reviendra à Roquebrune à plusieurs reprises et c’est alors qu’il mûrira son propre projet de cabanon, appuyé sur « L’Étoile de mer » à l’est. Quelques copies de peintures de Le Corbusier ornent les murs du restaurant et, dans le bar, T. Rebutato a réalisé une série de fresques ésotériques.

2 - Le Cabanon de Le Corbusier

Il est construit en 1952 pour sa femme, Yvonne, qui a du mal à se déplacer Ses dimensions – 3,66 x 3,66 m – reposent sur l’échelle du Modulor. Il disait lui-même que « c’est une œuvre minimaliste, la quintessence de toutes mes constructions ».

Un carré parfait, subdivisé en 4 rectangles, toujours dans le respect du nombre d’or. A l’intérieur, tout est fonctionnel, s’emboîte, s’encastre au millimètre près. Tout le cabanon est fait en bois de châtaignier venu spécialement de Corse. Une superbe table désaxée et marquetée ne sert à rien d’autre qu’à l’Art. Les volets/miroirs, avec des peintures au verso, renvoient la lumière et protègent de la chaleur. Seules touches de couleurs : les plafonds et une peinture du maître des lieux dans l’entrée.

Le Corbusier ne souhaitait pas en faire une réelle  habitation, seulement un endroit pour dormir. Pour les repas et les relations sociales, « l’Étoile de mer » est là, juste à côté. Même la douche se prend en extérieur, sous le caroubier plusieurs fois centenaire.

3 - Les Unités camping

A l’ouest de « L’Étoile de mer », une construction regroupe « Les Unités de camping ». Conçues et financées par Le Corbusier qui y pensait depuis 1954, elles n'ont pu être réalisées qu’en 1956.

C’est une enfilade de 5 chambres en bois très coloré, façon Mondrian, montées sur des pilotis en béton, en surplomb de la terrasse en contre-bas. Une construction qui offre, côté sud sous les chambres, un bel espace de vie en plein air pour la restauration, le travail et autres activités domestiques.

Les chambres de 9 m² sont, comme toujours, très bien agencées et fonctionnelles. Aucun espace perdu. Elles sont équipées d’un petit lavabo, de rangements en cloison ou sous le lit et d’étagères. Les meubles et les murs sont en bois brut, les plafonds très colorés.

Aujourd’hui « Les Unités de camping » accueillent des artistes en résidence.

Et à l’origine de tout cela,

4 - La Villa E 1027

Eileen Gray, née en 1878 en Irlande, était réputée comme designer/ensemblier. En 1923, elle rencontre l’architecte roumain Jean Badovici avec lequel elle se lie d’une solide amitié qui durera jusqu’à la mort de celui-ci en 1956. Influencés par Le Corbusier, l’architecte et la designeuse évolueront de l’Art déco au Modernisme.

En 1926, sur le terrain acheté à Roquebrune Cap Martin par Jean Badovici, elle conçoit, pour ce dernier  « Une villa pour un homme jeune qui aime son travail, les sports et recevoir ses amis ».

Construite en léger décalage de l’alignement des terrasses surplombant la mer, la villa ressemble à un navire amiral. C’est ce que recherchait Eileen Gray, cette sensation de protection que l’on a à bord d’un navire alliée à l’impression de liberté de circulation sur les ponts. D’ailleurs, nombres d’aménagements intérieurs font immanquablement penser à un bateau : petite porte ovale comme dans une coursive ; rangements escamotables ; cloisons modulables, etc. Comme sur un bateau, le moindre espace est optimisé.

Clin d’œil encore à la navigation, ce tapis bleu aux vagues stylisées qu’elle a conçu pour le salon, et la bouée de sauvetage accrochée à la balustrade.

De l’extérieur, on remarque vite les volets coulissants qui permettent de moduler, à volonté, l’ombre et donc la fraîcheur dans la maison. Eileen Gray disait que « des fenêtres sans volets sont comme des yeux sans paupières ».

Ici, au-delà de la fonctionnalité, esthétique et modernisme sont les maîtres-mots. Aujourd’hui que la villa a été restaurée, tout est tel que l’artiste l’avait conçu à l’origine : la boite aux lettres en cuir Hermès ; le filtre à eau dans la cuisine ; les prises, thermomètres et autres interrupteurs ; jusqu’au réseau de fils électriques apparents qui ornent et cheminent en haut des murs. A l’époque, Le Corbusier dira : « la villa est une œuvre d’art total ».

Une fois passées l’entrée et la cuisine, pour rejoindre la salle de séjour on traverse un sas avec une fresque de Le Corbusier. Dans le petit salon à l’est, encore une de ses peintures. Sur le balcon plein sud, des toiles tendues cadrent le paysage devant les fenêtres-paravents qui permettent une ouverture complète.

Aujourd’hui, la villa est entièrement meublée de copies ou rééditions du mobilier iconique conçu par Eileen Gray. On y voit, entre autres, le fauteuil Bibendum, le transat en cuir, la petite table de lit, le meuble aux tiroirs pivotants, la table gramophone, une grande carte au mur « Invitation au voyage » et les tapis qu’elle a dessinés, etc.

Jusqu’en 2017, sur le mur ouest, une peinture aux teintes vives réalisée par Le Corbusier, probablement sans l’accord d’Eileen Gray, perturbait l'ambiance recherchée. Depuis, elle a été masquée derrière un paravent mobile en bois blanc. Ainsi, l'harmonie de la pièce voulue par la conceptrice est respectée.

Au rez-de-chaussée haut, la chambre principale avec son coin toilette a été complètement restaurée et les meubles et textiles reconstitués. La salle de bain est étonnante de luminosité, avec sa porte coulissante, son grand miroir vertical et son puits de lumière au-dessus de la baignoire habillée d’aluminium.

Au rez-de-chaussée bas, la terrasse sous les pilotis mène vers la chambre d’amis. Encore un espace intime, fonctionnel, équipé d’un grand placard – seule pièce d’origine existant encore - , d’un lavabo au miroir « Satellite » avec lampe intégrée et divers meubles/rangements modulables. Face au secrétaire entre les deux fenêtres, trône encore une peinture de Le Corbusier.

Eileen Gray avait un sens pratique très développé, combiné à un sens aigu de l’esthétique d’où l’humour n’est pas absent. Ici, tout est beau, fonctionnel, délicat, dissimulé, escamotable. Le moindre détail de décoration et d’agencement est empreint de subtilité, d’intimité et d’un sens du pratique tout à fait féminin.

A la mort de Jean Badovici en 1956, Le Corbusier s’occupera de la vente de la villa à une amie suisse qui aura la mauvaise idée d’en faire don à son psychiatre. Celui-ci dépouillera la maison de tout son mobilier et des aménagements. Il y sera assassiné en 1996 et, laissée à l’abandon, la villa sera squattée et vandalisée.

En 1999 elle est rachetée par le Conservatoire du Littoral. Depuis 2018, après restauration et reconstitution, tout le site est désormais géré par le Centre des Monuments Nationaux, pour le plus grand bonheur des visiteurs.

(*) L’énigme du nom E 1027:

E pour Eileen, 10 pour le J de Jean (10^éme lettre), 2 pour le B de Badovoci (2^éme lettre), 7 pour le G de Gray (7^éme lettre).

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Le 2^éme jour de visite fera l'objet d'un prochain article.

A bientôt !

Double objectif pour la sortie à Valence

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Découverte de la Villa Balthazar

Ancienne Chambre d’agriculture datant des années 60, bâtie dans la mouvance architecturale de Le Corbusier, la Villa Balthazar, restaurée et réagencée, sert exclusivement l’Art contemporain depuis 2016. Le réaménagement de l’espace dans lequel l’ancien et la pierre côtoient et se reflètent dans le verre et l’acier du splendide escalier est un régal pour les yeux.

Dans ses 600 m² sur 3 étages, la galerie se donne pour mission d’émouvoir et de surprendre. Outre les expositions, elle accueille également de l’événementiel, toujours en cohérence avec l’Art.

Actuellement, Michel Duport et Serge Landois occupent la galerie avec, en résonance au sous-sol, leurs invités Clément Santos et Frédéric Galliano.

Serge Landois

On peut dire que les formes qu’il invente sont peut-être des signes, une écriture ou de la poésie spatiale. D’ailleurs ses dessins, qu’il appelle « post-sculpture », s’apparentent beaucoup à de la calligraphie.

Avec le métal, il dessine dans l’espace des formes légères à l’équilibre précaire. Il stabilise des formes instables volontairement décentrées et entretient un rapport constant avec le porte-à-faux.

Dans ses œuvres à l’encre de Chine et acrylique blanc sur papier marron, là encore le déséquilibre prime : aucun trait droit, aucune ligne droite ni coup de pinceau droit.

Michel Duport

« L’illusion du tableau » ou « Un tableau sans illusion », sa peinture/sculpture consiste en des assemblages de formes en volume, très colorées. Fixées au mur ou posées au sol, ses oeuvres interpellent le visiteur dans sa relation et son positionnement face elles.

Il expose également des œuvres abstraites réalisées à la gouache et/ou l’aquarelle, encadrées celles-ci.

Les invités en résonance

Frédéric Galliano, invité de Serge Landois.

Il développe une œuvre centrée sur l'idée de monades - étymologiquement, monade signifie "Unité". Ses dernières recherches l'amènent à réfléchir sur différentes notions liées à ce concept et à leurs expressions plastiques.

Clément Santos, invité et ancien élève de Michel Duport

Il détourne les signes visuels qui nous entourent au quotidien tels les logos. Ils deviennent alors matière première qu’il manipule, découpe et plie pour en faire de nouveaux objets sans charge commerciale.

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« Voyage sans boussole » au musée de Valence

Installé depuis 1911 dans l’ancien palais épiscopal, le musée de Valence abrite une collection de plus de 20 000 œuvres qui, depuis sa rénovation et sa réouverture en 2013, offre un panorama de l’Art allant de la Préhistoire à l’Art contemporain.

« Voyage sans boussole », le parcours contemporain objet de cette visite, propose les œuvres d’une quinzaine d’artistes dispersées dans les différentes salles parmi les autres œuvres. En voici un aperçu non exhaustif, de quoi vous donner envie d’y aller...

Suivez le guide …

Gerda Steiner et Jörg Lenzliger

« Paysage au grand galop » est une sorte de jardin suspendu couvrant le mur avec des ramifications jusqu’au plafond. Les artistes n’ont utilisé ici que des objets de récupération dénichés aux alentours et à l’intérieur du musée.

Etienne-Martin

« La Piéta », en bronze argenté, aux mains surdimensionnées symbolise toute la souffrance. On retrouvera plus loin le même artiste dans un tout autre genre avec « L’escalier », souvenir de sa maison natale dans la Drôme.

Simon Hantaï

Après une période surréaliste, il passe à une peinture gestuelle et abstraite, influencé par J. Pollock, notamment. En 1960 il invente « le pliage comme méthode ». La toile est alors pliée, froissée puis imprégnée irrégulièrement par la peinture, en aveugle. L’œuvre ne se révèle qu’au moment du dépliage.

Hans Hartung

Reconnu comme l’un des représentants de l’art abstrait, il explorait sans cesse de nouveaux outils : aérosol, sulfateuse, tyrolienne, pistolet de carrossier, etc. Dans sa peinture on distingue bien les traces des outils utilisés et les différentes consistances de matière qui donnent un rendu soyeux, léger comme une ombre ou au contraire rugueux comme un crépi.

Anna-Eva Bergman

Inspirée par la nature et la mythologie scandinave, dans ses paysages elle recrée la lumière norvégienne et s’appuie sur une construction à partir de la ligne et du nombre d’or.

Vincent Bioulès

Depuis ses débuts il peint sur le motif. Le Sud de la France devient très vite le cadre préféré de son œuvre, dans laquelle il joue avec la lumière et en fait son personnage principal. Dans son paysage « Le golfe » on retrouve le bleu de Matisse.

Albert Gleizes

Il fait partie des peintres qui révélèrent le cubisme au public. La composition des motifs et la diversité des fonds colorés de cette œuvre provoquent une véritable dynamique du regard. Cette peinture abstraite rappelle son attachement au cubisme.

André Lhote

Il se rattache au mouvement cubiste dès 1912. Cependant il rejette ce qu'il y a de trop abstrait et cherchera toujours à conserver un lien avec la peinture classique. Il a voulu inscrire la modernité non pas dans la rupture mais dans la continuité de la tradition.

Et pour terminer la visite ...

Sophie Calle

Utilisant la photographie, les installations, la vidéo et l’écriture, elle fait de sa vie une œuvre, jouant sans cesse entre réalité et fiction pour embarquer le visiteur dans son intimité.

« Pôle Nord » retrace son périple dans l’Arctique en 2008 autour du thème du réchauffement climatique. Elle en profite pour rendre hommage à sa mère qui rêvait tant d’y aller elle-même, en laissant quelques petits objets lui ayant appartenu dans un cavité du sol.

A noter que dans le cadre du nouveau cycle d’expositions temporaires ALL-OVER, le musée invite un artiste qui investit tout l’espace. Jusque fin août, place belle est faite à Hervé Di Rosa.

A bientôt !

Deuxième étage suite (2)

Suite et fin de la visite de l'exposition "Elles" de la MAC'A ...

Florence Gosset

Elle vit et travaille à Mollans-sur-Ouvèze

Peut-on dire que Florence Gosset travaille la peinture en négatif ? Quoi qu'il en soit, elle laisse des empreintes sur ses matériaux de prédilection que sont le papier de soie, la toile ou la bâche, tous de couleur noire. Elle décape ses supports à l’eau de javel pour faire naître les silhouettes de ses personnages, des végétaux, des animaux et autres motifs qu'elle souhaite représenter.

Pour son installation au Cloître St Louis, l’artiste nous replonge dans l’univers du film « Autant en emporte le vent » de Victor Flemming. L’idée lui est venue lors de la censure de ce film, en juin 2020, par une plateforme américaine suite à la mort de Georges Floyd.

Elle nous offre la mise en scène d’un champ de coton encadré par deux paravents habillés de motifs répétitifs sur papier de soie. En fond, sur une bâche, toujours noire, apparaît un esclave cueilleur en plein travail. A ses côtés trône, en majesté, la silhouette de Mamma, la servante du film, hommage à Hattie Mc Daniel, première femme noire oscarisée.

Dans ces deux œuvres sur fond noir, Florence Gosset conserve aux personnages la couleur de leur peau et, par un minutieux travail de décoloration, les dessine dans leur tenue de travail  d’où émane toute la lumière de l’œuvre.

Pour en savoir plus, copier le lien suivant :

Facebook : http://florencegosset.com 

Et la visite est terminée ...

A bientôt !